La Venus de Willendorf
Ficha de la obra
Época: Paleolítico superior
Nombre de la obra:
lleva el nombre del sitio a la vera del Danubio donde fue descubierta en
1908 por el arqueólogo austriaco Josef Szombathy.
Antigüedad: 20.000 ó 22.000 años
Dimensiones: 11,1
centímetros de alto, 5,7 de ancho y 4,5 de espesor con 15 centímetros de
circunferencia y regordeta.
Material: fue esculpida monolíticamente en piedra
caliza oolítica, pintada con ocre rojo.
Representación de
la obra: El conjunto respeta la ley de frontalidad
Museo: La Venus forma parte de la colección del Naturhistorisches Museum, en Viena
ANÁLISIS BIBLIOGRAFICO:
Análisis Sociológico:
Es una estatuilla antropomorfa femenina .es una figura obesa, de vientre
abultado y enormes senos. Esta imagen de la mujer gorda que esta completamente
desnuda también era usual en las esculturas egipcias, griegas y babilónicas del
Período Neolítico.
figura de ideantificación irónica con ideales
de belleza prehistóricos satisfizo algunos conceptos corrientes en la época en que se descubrió, sobre lo que era el hombre primitivo,
sobre las mujeres y sobre el sentido estético . Algunos sugieren que su corpulencia
representa un elevado estatus social en una sociedad cazadora-recolectora y que, además de la los pies de la estatua no
están esculpidos de forma que se mantenga en pie por sí misma, por esa razón,
se cree que fuera usada para ser llevada por alguien en vez de ser sólo
observada, pudiendo ser sólo un amuleto. Hay quien
defiende la hipótesis de que podría ser insertada en la vagina, en rituales de fertilidad.
Análisis simbólico:
De fertilidad, seguridad, éxito y bienestar
El conjunto
respeta la ley de
frontalidad aunque la
cabeza parece "mirar" ligeramente hacia el seno mamario derecho.
Parece ser una
representación convencional, no realista, ya que su abdomen, vulva, nalgas y mamas son extremadamente voluminosos (en las
nalgas: esteatopigia), de donde muchos estudiosos han deducido una
fuerte relación con el concepto de la fertilidad.
Los brazos, muy frágiles y casi imperceptibles, se doblan
sobre los senos; y no tiene una cara visible, estando su cabeza cubierta de lo
que pueden ser trenzas, un tipo de peinado o una capucha, la cabeza se
encuentra inclinada hacia adelante.
El abdomen posee
un notorio hueco que figura al ombligo. El abultado pubis se expande sobre los
gruesos muslos.
Aunque las piernas son anatómicamente muy
acertadas las rodillas están juntas y los pies que no han sido representados (o se han
perdido) estarían separados, terminando la escultura a la altura de los tobillos.
Argumento:
Muy poco se sabe de su origen, método de creación o significado
cultural. El apodo con el que es conocida (Venus) causa rechazo a algunos estudiosos actuales
que no consiguen ver en esta figura con características de obesidad la imagen
clásica de la belleza.
Análisis formal:
La Venus Willendorf es una estatuilla femenina del periodo
paleolítico superior, cuya composición es simétrica debido a que existe el
mismo número de elementos de un lado como del otro y esto nos permite tener un
equilibrio visual. Es geométrica porque su composición tiene figuras geométricas definidas. Puede
considerarse que es una obra centrípeta debido a que la atención se concentra
en un punto.
Según la
distribución de los elementos compositivos en la obra, se debe mencionar que el
punto de interés es central, la Venus Willendorf. Tiene una
dominancia central, tomando en cuenta que en el centro se encuentra la
atención. La obra posee una tendencia vertical, definida por la estatuilla esta
parada.
Comentario:
La Venus de
willendor es una estatuilla muy
importante para la historia de Europa y
el mundo, y que es una de las obras más antiguas, y tiene un significado muy importante,
esta estatuilla nos permite imaginar cual es la historia q se encuentra tras la
escultura, aunque esté desgastada todavía se puede apreciara muy bien.
Stonehenge
Ficha de la obra
Considerada
como patrimonio cultural de la humanidad
Época: edad de bronce
Nombre de la obra: Monumento
megalítico
Antigüedad: 2500 a. C
Dimensiones: Todo el conjunto está rodeado por un foso circular
que mide 104 m de diámetro. Dentro de este espacio se alza un bancal en el que
aparecen 56 fosas conocidas como los «agujeros de Aubrey». El bancal y el foso
están cortados por «la Avenida», un camino procesional de 23 metros de ancho y
tres kilómetros de longitud, aproximadamente. Cerca se halla la «Piedra del
Sacrificio». Enfrente se encuentra la «Piedra Talón».
Material: Piedra
Ubicación: situado cerca de Amesbury, en el condado de
Wiltshire, Inglaterra, a unos trece
kilómetros al norte de Salisbury.
Representación de
la obra: como templo religioso, monumento funerario u observatorio.
ANÁLISIS BIBLIOGRAFICO:
Análisis Sociológico:
Stonehenge era parte de
un complejo grande, que incluía círculos de piedra y de madera y avenidas
ceremoniales. Las excavaciones realizadas por el proyecto Stonehenge Riverside, dirigido por el
arqueólogo Mike
Parker Pearson de la Universidad de Sheffield, permitieron encontrar muy cerca de Stonehenge, un
asentamiento de cerca de mil casas. De acuerdo con las evidencias encontradas,
estas casas solamente se usaban unos días al año y no se trataba de una aldea
habitada permanentemente.
Stonehenge está
conformado por grandes bloques de piedra distribuidos en cuatro circunferencias
concéntricas. La exterior, de treinta metros de diámetro, está formada por
grandes piedras rectangulares de arenisca que, originalmente, estaban coronadas por dinteles, también de piedra,
quedando hoy en día sólo siete en su sitio. Dentro de esta hilera exterior se
encuentra otro círculo de bloques más pequeños de arenisca azulada. Éste
encierra una estructura con forma herradura construida por piedras de arenisca
del mismo color. En su interior permanece una losa de arenisca micácea conocida
como «el Altar».
Análisis
simbólico:
La piedra era el símbolo de "lo
eterno", servía para marcar o delimitar puntos energéticos terrenales
(telúricos) y hasta para albergar espíritus elementales. Así es que Stonehenge
podría haber sido utilizada
junto con Woodhenge en ceremonias religiosas de culto a los muertos y a la vida
tal vez simbolizada por el círculo de madera.[]
Argumento:
La finalidad que tuvo la
construcción de este gran monumento se ignora, pero se supone que se utilizaba
como templo religioso, monumento funerario u observatorio
astronómico que servía para predecir estaciones.
En el solsticio de verano, el Sol salía justo atravesando el eje de la construcción,
lo que hace suponer que los constructores tenían conocimientos de astronomía.
El mismo día, el Sol se ocultaba atravesando el eje del Woodhenge, donde se han
encontrado multitud de huesos de animales y objetos que evidencian que se
celebraban grandes fiestas, probablemente al anochecer.[3]
Han sido encontrados 240
enterramientos de restos humanos previamente cremados,
datados entre el año 3030 y 2340 a. C.[4]
Dado el poco número de entierros para un período tan largo, se estima que no se
trata de un cementerio para la generalidad de los muertos sino para
determinadas personas escogidas. Para los paganos.
Análisis
formal:
El Monumento megalítico es un monumento de
piedra perteneciente a la edad de bronce, cuya composición es simétrica debido
a que existe el mismo número de elementos de un lado como del otro y esto nos permite
tener un equilibrio visual. Es geometrica porque sus piedras son rectangulares. Puede considerarse que es
una obra centrípeta debido a que la atención se concentra en un punto y en este
caso es el templo q se en cuentra en el centro y las piedras giganres y
pequeñas rodeas al centro.
Según la
distribución de los elementos compositivos en la obra, se debe mencionar que el
punto de interés es central, es el altar. Tiene una dominancia central, tomando
en cuenta que en el centro se encuentra la atención. La obra posee una
tendencia vertical.
Comentario
El Monumento megalítico de la expedición
de Stonehenge es una obra maravillosa por q nos
de muesta según su historia como eran sus rituales, de esa época y nos permite
imaginar como eran sus costumbres y tradición.
La triada
de Micerino
Ficha de la Obra:
ÉPOCA: periodo menfita
ANTIGÜEDAD:
dinastía IV
Nombre dela obra: Micerino entre la Diosa
Hathor y la divinidad del nomo de Cinópolis
Descubrimiento: 1910 por un equipo de arqueólogos del Museo de Bellas Artes de Boston
Ubicación: Museo Egipcio de El
Cairo (Egipto).
MATERIAL:
diferentes
durezas y texturas, con acabados pulidos y generalmente coloreados. Este
conjunto está esculpido en pizarra
DIMENSIONES:
92'5
cm
RAZON
DE SU CREACIÓN: los ritos funerarios exigían la representación de los
rasgos físicos
ANÁLISIS BIBLIOGRAFICO:
Análisis
Sociológico:
Está datada a mediados del tercer milenio a.
C. Corresponde al grupo formado por el faraón Micerino, la diosa Hathor y la divinidad del nomo de Cinópolis.
Al lado derecho de Micerino se encuentra la diosa Hathor, con cuernos y el
disco solar sobre su cabeza, y al lado izquierdo la del nomo de Cinópolis,
portando su emblema.
características propias de la escultura egipcia,
como son:
Hieratismo, es decir, la rigidez
con la que aparecen los personajes y por representar recta la línea de los
hombros y de las caderas. Las figuras acompañantes sujetan familiarmente a
Micerino, por el brazo, poniendo en ello una nota de ternura frente al
hietarismo que domina toda la composición.
Ley de la frontalidad: que consiste en
representar el conjunto para ser contemplado de frente, preferentemente. En
este caso es un grupo en altorrelive, no siendo figuras de bulto
redondo.
Canon: Las figuras están bien
proporcionadas mostrando gran armonía entre sus partes, siendo el canon de la
figura de 18 puños, distribuidos de la siguiente manera: dos para el rostro,
diez desde los hombros hasta la altura de las rodillas y los seis restantes
para piernas y pies.
Análisis Simbólico:
En la triada Micerino se
manifiesta la típica combinación del gran realismo e idealización plástica,
dentro de la concepción frontal y la rigidez formal.
Sorprende la perfección
el refinamiento y detalle que conforman las fracciones del rostro, lo que hace
suponer que debieron tener notable parecido con la realidad, pues en esta
época, la IV dinastía, los ritos funerarios exigían la representación de los
rasgos físicos lo más fielmente posible.
Argumento: La indumentaria es de
gran sencillez, puesto que el faraón sólo está tocado con la corona Blanca real, porta barba
postiza y un sencillo faldellín,
o falda egipcia real. Las otras dos figuras visten un ajustada túnica casi
transparente. El pie izquierdo adelantado, en las figuras de Hator y Micerino,
que pasa así a un primer plano.
Análisis Formal:
La escultura llamada la triada de micerino perteneciente al periodo menfita, cuya composición es simétrica debido a que existe
el mismo número de elementos de un lado como del otro y esto nos permite tener
un equilibrio visual. Es organica porque carece de figuras geométricas
definidad. Puede considerarse que es una obra centrípeta debido a que la
atención se concentra.
Según la
distribución de los elementos compositivos en la obra, se debe mencionar que el
punto de interés es central, egipcio miserino. Tiene una dominancia central,
tomando en cuenta que en el centro se encuentra la atención. La obra posee una
tendencia vertical.
Comentario:
La triada de micerino es una obra maravillosa
ya que al observara la escultura nos damos cuenta q los egipcios si eran una
civilización mas avanza y perfeccionista ya que esta escultura es casi perfecta
según los canos del arte, mas importante para mi lo q representa es la calidad
de cómo está realizada la obra para la época en la q se encontraban.
Victoria alada de
Samotracia
Ficha de la Obra:
ÉPOCA: periodo helenístico
ANTIGÜEDAD:
190 a. C.
ubicacion:
Museo del Louvre, París
MATERIAL
: mármol
DIMENSIONES:
altura
de 245 cm
RAZON
DE SU CREACIÓN: se labró para celebrar las victorias sobre Antíoco III Megas
ANÁLISIS
BIBLIOGRAFICO:
Análisis Sociológico:
conocida como Victoria de
Samotracia y Niké de Samotracia del santuario de los Cabiros en Samotracia. Algunos expertos la
atribuyen con cierta probabilidad a Pithókritos de Rodas. Fue descubierta en 1863 en la isla de Samotracia (Samothraki, en griego) por el cónsul francés Charles Champoiseau, un arqueólogo
aficionado.
Aunque cuando se descubrió se pensó
que fue mandada esculpir por Demetrio Poliorcetes para conmemorar su
triunfo naval en Salamina sobre la flota de Ptolomeo Sóter en el año 306 a. C., porque figuraba en las
monedas emitidas del 294 al 288 a. C., la datación de la escultura hacia comienzos del
siglo II antes de Cristo
La figura femenina de la Victoria
con alas se posa sobre la proa de un navío, que actúa de pedestal de la figura
femenina, cuyo cuerpo presenta una leve y graciosa torsión. Va envuelta en un
fino chitón y un manto, ropajes que
se adhieren al cuerpo dejando traslucir su anatomía, tratamiento éste que
recuerda a la denominada técnica de «paños mojados» atribuida a las obras de Fidias. El manto forma un rollo sobre el
muslo derecho para caer luego entre las piernas, dando lugar a una composición
muy característica en otras figuras femeninas de la misma época.
Análisis Simbólico:
Las ropas agitadas por
el viento configuran el dramatismo, esta vez gozoso, tan característico de la
escuela escultórica rodia, una de las más barrocas del helenismo.
Argumento:
Esta escultura tiene como motivo principal dejar una muestra de
las victorias sobre Antíoco III Megas.
La escultura es como un trofeo para los triunfadores.
Análisis Formal:
La victoria alada de Samotracia es una escultura perteneciente al periodo helenístico,
cuya composición es simétrica debido a que existe el mismo número de elementos
de un lado como del otro y esto nos permite tener un equilibrio visual. Es
orgánica porque carece de figuras geométricas definidas. Puede considerarse que
es una obra centrípeta debido a que la atención se concentra en un punto.
Según la
distribución de los elementos compositivos en la obra, se debe mencionar que el
punto de interés es central, la victoria. Tiene una dominancia central, tomando
en cuenta que en el centro se encuentra la atención. La estatua posee una
tendencia vertical, definido por la posición de la escultura.
Comentario:
La escultura
victoria alada de Samotracia es muy importantes en el arte, por su composición y
significado que nos deja , a demás su escultura es hermosa por la expresión
visual que se muestra, pero la escultura madeja con intrigas al no conocer la razón por q la victoria alada
de samotracia no lleva cabeza.
Paleta de Narmer
Ficha de la Obra:
descubrimiento:
1898 por Quibell y Green
LUGAR :
museo del Cairo
MATERIAL:
placa
de pizarra tallada con bajorrelieves
DIMENSIONES:
64
cm de altura y 45 cm de ancho
RAZON
DE SU CREACIÓN: servir de soporte para
los pigmentos, cremas, aceites, etc
ANÁLISIS BIBLIOGRAFICO:
Análisis Sociológico:
Es una placa de pizarra tallada con bajorrelieves Existen diferentes
interpretaciones sobre su posible significado, tanto políticas (posible
unificación del Antiguo Egipto) como religiosas.
Anverso
Figura el rey Narmer, con la corona Blanca del Alto Egipto a gran tamaño, lo que
indica la preeminencia del Alto sobre el Bajo Egipto.
·
Golpea a uno de los extranjeros, representados por
una figura de cabello rizado y barba. Esta figura siempre se usaba para
identificar a los libios y a los asiáticos, pero es posible que
Narmer considerara extranjeros a los habitantes del Delta, ya que la
unificación fue una conquista por la fuerza, por lo que la paleta representaría
su victoria tanto sobre los habitantes del Delta occidental como sobre los beduinos del Sinaí.
·
El dios Horus, símbolo de la divinidad del rey,
está sobre unos papiros, símbolos del Bajo Egipto, lo que incide sobre el hecho
de la conquista del Delta.
·
Debajo hay más enemigos de pelo rizado abatidos y
junto a sus hombros la representación simbólica de dos ciudades amuralladas
conquistadas.
Reverso
·
En la franja superior, está el faraón con la corona Roja, símbolo del dominio
sobre el Bajo Egipto; esta corona también fue usada en la ciudad sureña de Naqada. Se encuentra acompañado de su
séquito ante dos filas de enemigos decapitados.
·
En la parte baja están representados dos extraños
animales, cuyos largos cuellos están entrelazados: Gardiner opina que es una
representación de la unión de las Dos
Tierras bajo un solo rey. (La parte situada entre los cuellos, rebajada,
era la usada como base para moler kohl, un polvo cosmético
utilizado para proteger los ojos.)
·
Debajo del todo vuelve a aparecer el rey,
simbolizado por un toro que aplasta a sus enemigos y sus ciudades amuralladas.
Análisis Simbólico:
Los símbolos que
representa son los logro regio, cuyo
propósito no es dar cuenta de un evento histórico, sino exponer el dominio del
rey sobre el mundo en nombre de los dioses, para lo cual ha derrotado las
fuerzas del caos internas y externas.
Ambas caras tienen
grabada en la parte superior dos cabezas de vaca, símbolo de la diosa Bat, y
entre ellas se encuentra el serej,
precedente de los cartuchos, con el nombre de Narmer.
La imagen del faraón
golpeando a sus enemigos con una maza se puede encontrar en bajorrelieves a lo largo de toda la historia del Antiguo Egipto,
incluyendo a faraones de los que se desconoce su intervención en batallas. Fue
una imagen simbólica propagandística del poder real. Destacan las
representaciones de los faraones Den (tablilla), Tutmosis III en
Karnak, Ramsés II en
Abu Simbel, Ramsés III en
Medinet Habu o Ptolomeo XII en
Edfu.
Argumento:
La paleta de narmer es una placa tallada Cuya primitiva función era servir de soporte para los
pigmentos, cremas, aceites, etc., que se aplicaban en el cuerpo, aunque es muy
común encontrarlas en los ajuares funerarios o como ofrenda en los templos.
Análisis Formal:
La Paleta de Narmer perteneciente al antiguo Egipto, cuya
composición es simétrica debido a que existe el mismo número de elementos de un
lado como del otro y esto nos permite tener un equilibrio visual. Es orgánica
porque carece de figuras geométricas. Puede considerarse que es una obra
centrípeta debido a que la atención se concentra en un punto, en este caso el faraón.
Según la
distribución de los elementos compositivos en la obra, se debe mencionar que el
punto de interés es central, el faraón es la figura principal de la placa.
Tiene una dominancia central, tomando en cuenta que en el centro se encuentra
la atención. El cuadro posee una tendencia vertical, definido por la posición q
se encuentra el faraón y esta de pie.
Comentario:
La paleta de narmer es importantes por su significado que produce ,representando una masacre sobre los extranjeros, anteponiendo el
dominio del rey sobre el mundo en nombre de los dioses y por q nos permite
imaginara como se vivía en Egipto en esa época.
Loba
capitolina o Luperca
Ficha de la Obra:
EPOCA: Edad media
UBICACION: Museos Capitolinos
MATERIAL : Estatua de bronce
DIMENSIONES: 75 centímetros de altura
y 114 de anchura
RAZON DE SU CREACIÓN: en honor a la loba q amamanto a Rómulo y
Remo
ANÁLISIS BIBLIOGRAFICO:
Análisis Sociológico:
La loba capitolina le
fueron añadidas las figuras de Rómulo y Remo ,se añadieron durante el Renacimiento y probablemente son
obra del escultor Antonio del Pollaiuolo, , la loba es muy importante para los
capitolinos , ya q les recuerda la heroica forma en q los niños sobrevivieron
con la alimentación q les brindaba la
loba .
Análisis
Simbólico:
Luperca es el nombre de la loba
que según la mitología amamantó a Rómulo y Remo cuando estos fueron
mandados a matar por el rey Amulio. Actualmente la estatua
dedicada a ella, llamada "la loba capitolina" (lupa capitolina en italiano
Argumento:
La escultura de la loba tiene como motivo principal
representar la imagen de cómo la loba alimentaba los niños Rómulo y Remo quienes mas tarde serán claves
importantes en la historia de el mundo.
Análisis Formal:
La escultura
llamada la loba capitolina perteneciente a la edad media, cuya composición es
asimetrica debido a que no existe el
mismo número de elementos de un lado como del otro. Es orgánica porque
carece de figuras geométricas. Puede considerarse que es una obra con tendencia superior debido a que la atención se en la parte superior de toda las estatua, en
este caso es la loba.
Según la distribución de los elementos compositivos
en la obra, se debe mencionar que el punto de interés es superior, la loba
capitolina. Tiene una dominancia superior , tomando en cuenta que en el centro
se encuentra la atención. El cuadro posee una tendencia horizontal, por la
posición de la loba q esta
asentada es sus cuatro patas.
Comentario:
La escultura
de la loba capitolina aparte de ser hermosa por su estructura, lo q más importa
es lo q ella representa amamantando a
los niños q se encontraban desprotegidos y que en vez de de devorarlos decidió alimentarles igual q a sus
cachorros.
[
Apoteosis de Claudio
Ficha de la Obra:
EPOCA: Imperio romano
AUTOR: anonimo
UBICACION
: Museo del Prado de Madrid.
MATERIAL:
Mármol.
DIMENSIONES:
185,2 cm x 124 cm x 127 cm
RAZON
DE SU CREACIÓN: La escultura, funeraria en origen, trofeo
o composición con armas, sobre las que se posaba el águila.
ANÁLISIS
BIBLIOGRAFICO:
Análisis Sociológico:
El águila y las
armas son parte de un monumento funerario de la época del emperador Augusto (27
a.C.-14 d.C.). Esta escultura fue hallada villa de campo de Marcus Valerius
Messalla Corvinus (64 a.C.-13 d.C.), conocido general y compañero de armas del
emperador Augusto, y probablemente adornaba la parte superior de un pedestal de
mármol rectangular que contenía la urna cineraria del general.
La denominación Apoteosis de Claudio dada a esta
escultura se debe a una cabeza de dicho emperador, hoy perdida, que le fue
añadida en el siglo XVII. En su actual estado, este grupo escultórico es
producto de una reconstrucción del siglo XVII, poco anterior a su entrega como
obsequio a Felipe IV de España.
el águila se adosó un busto de
Emperador Claudio Con la suma de la
efigie del emperador, la escultura adoptó otro significado, como apoteosis del alma de Claudio elevada
a los cielos por el águila. A ello se debe su denominación más popular.
Análisis Simbólico:
águila, animal
heráldico de la Casa de Habsburgo, emprende el vuelo desde las armas
amontonadas hacia los dioses, llevando sobre su espalda el busto de un
emperador romano, antepasado lejano de la Casa de Habsburgo, heredera del Sacro
Imperio Romano.
Argumento:
La apoteosis de
Claudio tiene como motivo principal ser trofeo o composición con
armas, sobre las que se posaba el águila.
Análisis Formal:
La escultura llamada apoteosis de
claudio perteneciente al imperio romano, cuya
composición es simétrica debido a que existe el mismo número de elementos de un
lado como del otro y esto nos permite tener un equilibrio visual. Es orgánica.
Puede considerarse que es una obra centrípeta debido a que la atención se
concentra en un punto, en este caso el
agila.
Según la
distribución de los elementos compositivos en la obra, se debe mencionar que el
punto de interés es central. Tiene una dominancia central, tomando en cuenta
que en el centro se encuentra la atención. El cuadro posee una tendencia
vertical, definido por la posición q se encuentra el agila.
Comentario:
La escultura llamada apoteosis de Claudio es una agila muy importante ya q se cree
que emprende el vuelo desde las armas
amontonadas hacia los dioses llevándose el busto de un emperador romano , es
una escultura q a tenido varias intervenciones para q dar bien , es hermosa, y
para mi representa fuerza ,poder esta echa por como esta situada.
Pantocrátor
Ficha de la Obra:
Arte
bizantino
Siglo
XIII
Autor: anónimo
Ubicación
: Iglesia de Santa Sofía
de Estambul
MATERIAL:
RAZON
DE SU CREACIÓN: representar
la donación imperial
ANÁLISIS
BIBLIOGRAFICO:
Análisis Sociológico:
El Cristo pantocrátor, el rey del universo está ubicado entre la emperatriz zoé y el
Constantino IX y Se ha
demostrado que en un principio la cabeza y la mano con la q bendice el Cristo
parecen confirmar más aun el retocado de
este mosaico.
Análisis Simbólico:
Figura de Cristo bendiciendo destaca
por la espiritualidad de su expresión y el refinado modelo, empleando el autor
un matizado colorido
Argumento:
El Cristo pantocrátor tiene como motivo principal
representar la donación imperial, la
ofrenda por parte de los mandatarios a la gran iglesia
Análisis Formal:
El mosaico llamado el Cristo pantocrátor perteneciente
al siglo XII, cuya composición es simétrica debido a que existe el mismo número
de elementos de un lado como del otro y esto nos permite tener un equilibrio
visual. Es orgánica. Puede considerarse que es una obra centrípeta debido a que
la atención se concentra en un punto.
Según la
distribución de los elementos compositivos en la obra, se debe mencionar que el
punto de interés es central. Tiene una dominancia central, tomando en cuenta
que en el centro se encuentra la atención. El cuadro posee una tendencia
vertical, definido por la posición q se encuentra el cristo.
Comentario:
El mosaico llamado
el Cristo pantocrátor, es una pintura
que tiene la mano levantada como
bendiciendo, esta obra representa la espiritualidad, la fe, la religión en todo
su esplendor por los colores llamativos con los que está pintado, como llamado
la atención completa del espectador.
El
Matrimonio Arnolfini
Ficha
de la Obra:
EPOCA: gótico
Autor: Jan van Eyck
Año: 1434
Ubicación
:. National Gallery de Londres, Londres, 
Reino Unido
Reino Unido
MATERIAL:
Óleo sobre tabla
DIMENSIONES:
82 cm × 60 cm
RAZON
DE SU CREACIÓN: representar el matrimonio del rico mercader Giovanni Arnolfini y a su esposa Jeanne
Cenami.
ANÁLISIS
BIBLIOGRAFICO:
Análisis
Sociológico:
El Retrato del
Matrimonio Arnolfini es, sin duda, una obra maestra del arte de los primitivos flamencos. Según la propia firma del autor, fue pintada en 1434. Formó parte de la colección real española, pero
fue robada por el ejército francés durante la Guerra de la Independencia Española. En 1842 la National Gallery de Londres la adquirió por 730 libras.
Van Eyck
representa la boda de Arnolfini, un próspero banquero italiano establecido en Brujas hacia 1421. Pero lo más significativo es que da fe de la
revolución que estaba viviendo el arte flamenco, paralela a las innovaciones
italianas.
El cuadro, lleno de
simbolismo, actúa en varios planos:
como retrato de dos importantes
miembros de la sociedad ejecutado por el más eminente artista local
como testigo de su boda
como sumario de las
obligaciones que entrañaba el matrimonio a mediados del siglo XV.
Como ilusión, como engaño, como
promesa, como exorcismo, en resumen, como un misterio.
Van Eyck hace además gala de su
suprema destreza como pintor y maestro de las últimas técnicas (en especial la pintura al óleo), por la que alcanzó
Análisis Simbólico:
Pero, gracias,
precisamente, a estos pequeños objetos, propios de una sociedad que vive en la
opulencia, el experto en Historia del Arte, Erwin Panofsky,
logró desvelar el significado de este cuadro: el cual interpreta como una alegoría del matrimonio y de la maternidad.
Para ello, nos desvela el sentido de multitud de detalles que, aparentemente,
carecen de importancia, pero que dan una nueva dimensión al cuadro, algunos de
estos pormenores son:
En primer lugar, la representación de los esposos, que es antagónica y
revela los diferentes papeles que cumple cada cual en el matrimonio. No olvidemos que
hablamos de una sociedad de hace más de 500 años, a caballo entre la Edad Media y la Edad Moderna: él es severo,
bendice o, quizá, jura (fides levata)
—en cualquier caso, ostenta el poder moral de la casa (potestas)— y sostiene con autoridad la mano de su esposa
(fides manualis), que agacha la
cabeza en actitud sumisa y posa su mano izquierda en su abultado vientre, señal
inequívoca de su embarazo (que no es real), que sería su culminación como
mujer. Las mismas ropas que llevan refuerzan este mensaje, a pesar de
que la ambientación sugiere un tiempo veraniego o, cuando menos primaveral, lleva
pesadas túnicas que revelan su alta posición socioeconómica, el tabardo de él es oscuro y
sobrio (aunque los remates de piel de marta resultaban
particularmente caros), y ella luce un ampuloso vestido, de colores vivos y
alegres, con puños de armiño (complementados con un
collar, varios anillos y un cinturón brocado, todo de oro).
Hay, en segundo lugar, multitud de objetos que aparecen sin justificación aparente, si bien todo lo que contiene el cuadro proclama la riqueza de la joven pareja, desde la ropa y los muebles hasta la fruta en el alféizar de la ventana. Lo cierto es que esta pareja parece haber recopilado objetos de muchos países de Europa: Rusia, Turquía, Italia, Inglaterra, Francia... Sin duda, Arnolfini, rico mercader, trabó amistad o negocios con empresarios de toda Europa. Como se sabe, Brujas, donde se instaló Giovanni, era un hervidero de burgueses de todas partes; y este mercader que protagoniza el cuadro se jactaría de sus relaciones con todos ellos. En definitiva, lo cierto es que todos tienen un significado nítido que da una nueva dimensión a la obra:
Las naranjas, importadas del sur, eran un lujo en el norte de Europa por lo que simboliza la riqueza de
la familia y la prosperidad económica que les aguarda, o quizás aluden al
origen mediterráneo de los retratados.
Conocidas como "manzanas de Adán", representaban además la fruta
prohibida del edén (quizá sean una
evocación del paraíso perdido), en alusión al
pecado mortal de la lujuria, probable motivo de la
pérdida de la gracia.Los instintos pecaminosos de la humanidad se santifican
mediante el ritual del matrimonio cristiano.
La cama tiene relación, sobre todo en la realeza y la nobleza, con la continuidad
del linaje y del apellido.
Representa el lugar donde se nace y se muere. Los tejidos rojos simbolizan la
pasión además de proporcionar un poderoso contraste cromático con el verde de
la indumentaria femenina. En todo caso, era costumbre de la época, en las casas
acomodadas de Borgoña, colocar una cama en el
salón donde se recibían las visitas. Aunque, generalmente, se usaba para
sentarse, ocasionalmente, era también el lugar donde las madres recién paridas
recibían, con su bebé, los parabienes de familiares y amigos.
La alfombra que hay junto a la cama es muy lujosa y cara, procedente
de Anatolia, otra muestra de su
fortuna y posición.
Los zuecos esparcidos por el suelo —ellos van descalzos— representan
el vínculo con el suelo sagrado del hogar y también son señal de que se
estaba celebrando una ceremonia religiosa. La posición prominente de los
zapatos es también relevante: los de Giovanna, rojos, están cerca de la
cama simbolizando que era la encargada del hogar; los de su marido, más
próximos al mundo exterior, simbolizan que es él el encargado de trabajar para
llevar la prosperidad económica a la casa. En aquel tiempo se creía que pisar el
suelo descalzo aseguraba la fertilidad.
Los rosarios eran un presente habitual del novio a su futura esposa.
El cristal es signo de pureza, y el rosario sugiere la virtud de la novia y su
obligación de ser devota. También el cristal del espejo alude a la pureza del
sacramento del matrimonio (speculum
sine macula).
El espejo es uno de los mejores ejemplos de la minuciosidad microscópica conseguida
por van Eyck (mide 5’5 centímetros y cada una de las escenas de la pasión que
le rodean mide 1’5 centímetros), y enlaza con el siguiente asunto. En torno
al espejo se muestran 10 de las 14 estaciones del Vía Crucis (las paradas del camino de Cristo hasta su muerte
en el Gólgota). Su presencia sugiere
que la interpretación del cuadro debe ser cristiana y espiritual en igual
medida que legal y recuerda el sacrificio que tienen que soportar los esposos.
Por cierto que estos pequeños espejos convexos eran muy populares en aquella época; se llamaban «brujas» y se usaban para espantar la mala suerte. A menudo se encontraban junto a ventanas y puertas, para buscar efectos lumínicos en las estancias. Que se sepa, ésta es la primera vez que se usan como recurso pictórico, la idea tuvo mucho éxito y fue imitada, como hemos visto. El experto Craig Harbison ve en el espejo el centro de gravedad de todo el cuadro, es lo que más nos llama la atención, una especie de "círculo mágico" calculado con increíble precisión para atraer nuestra mirada y revelarnos el secreto mismo de la historia del cuadro: "But there's the key!".
Por cierto que estos pequeños espejos convexos eran muy populares en aquella época; se llamaban «brujas» y se usaban para espantar la mala suerte. A menudo se encontraban junto a ventanas y puertas, para buscar efectos lumínicos en las estancias. Que se sepa, ésta es la primera vez que se usan como recurso pictórico, la idea tuvo mucho éxito y fue imitada, como hemos visto. El experto Craig Harbison ve en el espejo el centro de gravedad de todo el cuadro, es lo que más nos llama la atención, una especie de "círculo mágico" calculado con increíble precisión para atraer nuestra mirada y revelarnos el secreto mismo de la historia del cuadro: "But there's the key!".
La lámpara sólo tiene una vela, que simboliza la llama del amor
—era costumbre flamenca encender una vela el primer día de la boda—.
Pero también recuerda la candela que luce siempre en el sagrario de la iglesia, la permanente presencia de Cristo.
Pero también recuerda la candela que luce siempre en el sagrario de la iglesia, la permanente presencia de Cristo.
Giovanna lleva un elegante vestido verde (el color de la fertilidad), propio de un retrato
de aparato y un cuadro de boda. No está embarazada, su
postura se limita a delatar el vientre, que entonces se tenía por una de las
partes más bellas del cuerpo. También cabe pensar que su pose y la exagerada
curvatura del vientre sugieran su fertilidad y deseada preñez que
nunca resultó.
En el cabezal de la cama se ve la talla de una mujer con un dragón a los
pies.
Es probable que sea Santa Margarita, patrona de los alumbramientos, cuyo atributo es el dragón; pero por la escobilla que hay al Lado podría ser Santa Marta, patrona del hogar, que comparte idéntico atributo.
Es probable que sea Santa Margarita, patrona de los alumbramientos, cuyo atributo es el dragón; pero por la escobilla que hay al Lado podría ser Santa Marta, patrona del hogar, que comparte idéntico atributo.
El perro pone una nota de gracia y desenfado en un cuadro que es, por lo demás, de
una apabullante solemnidad. El detallismo del pelo es toda una proeza técnica.
En los retratos, los perros suelen simbolizar, como aquí, la fidelidad y el amor terrenal.
En los retratos, los perros suelen simbolizar, como aquí, la fidelidad y el amor terrenal.
Lo único que faltaría es
el sacerdote y
el testigo, necesarios en todas
las bodas, pero ambos personajes aparecen reflejados en el espejo, junto a la
pareja: un clérigo y
el propio pintor, que actúa como testigo, y que, con su firma, no sólo reclama
la autoría del cuadro, sino que testifica la celebración del sacramento: "Johannes de Eyck fuit hic 1434"
El cuadro sería, por tanto, un documento matrimonial. No obstante, es también
un cuadro evidentemente intemporal porque se refiere simultáneamente a hechos
que tienen lugar dentro del matrimonio, pero en fases diversas a lo largo del
tiempo.
Argumento:
Esta obra representa principalmente el matrimonio
de los Arnolfinis, contrayendo un casamiento ascondidas en la alcoba de su casa
, sin sacerdote , con un solo testigo el pintor de la obra, q se refleja
Pindado el en el espejo.
Análisis Formal:
El matrimonio de los Arnolfinis pertenecienteal
año 1434, cuya composición es simétrica debido a que existe el mismo número de
elementos de un lado como del otro y esto nos permite tener un equilibrio
visual. Es orgánica. Puede considerarse que es una obra centrípeta debido a que
la atención se concentra en un punto, en este caso el la pareja sostenidos de las manos.
Según la
distribución de los elementos compositivos en la obra, se debe mencionar que el
punto de interés es central. Tiene una dominancia central, tomando en cuenta
que en el centro se encuentra la atención. El cuadro posee una tendencia
vertical, definido por la posición en la q se encuentra la pareja , están de
pie.
Comentario:
La
obra pictórica del matrimonio de los
Arnolfinis es una obra maestra
por que guarda muchos secretos y vivencia de la época , aparte de eso tiene
muchos simboles q expresan el significado de la obra , la calidad del cuadro es
espectacular por la suavidad y la tranquilidad q se observa, es magnífico el
contras de de los colores , los más importantes es que cada objeto que se
encuentra en la pintura expresa algo ,es impresionante que en una obra que
aparentemente parece ser un retrato se encuentre oculta una época.
LA
ÚLTIMA CENA
Ficha de la Obra:
ÉPOCA: Renacimiento
ANTIGÜEDAD:
1495 – 1497
AUTOR: Leonardo Da Vinci
LUGAR
ACTUAL: Convento Dominico de
Santa María delleGrazie, Milán
MATERIAL
UTILIZADO: Temple y
óleo sobre capa de yeso
DIMENSIONES:
460 cm
X 880 cm
RAZON
DE SU CREACIÓN: Obra creada
por pedido del duque LudivicoSforza, ya que él en el convento de Santa María
delleGrazie, había mandado a erigir una iglesia, la misma que Leonardo ayudó a
decorar con obras religiosas, convirtiéndose ésta en la más importante y
representativa.
ANÁLISIS
BIBLIOGRAFICO:
Análisis Sociológico:
En principio se trataba de un encargo
modesto. En Santa María, el convento de los dominicos cercano al palacio, el
duque había mandado a erigir una iglesia. En el refectorio de
los hermanos, el milanés Montorfano había pintado una crucifixión, en cuya parte inferior
Leonardo añadió como donante a Ludovico, a su esposa y a sus dos hijos.[] Leonardo colaboró también en la
ejecución de los medallones y otros adornos murales con las armas de los
españoles , como si quisiera probar primero la destreza de su mano para la gran
tarea que se le avecinaba.
Leonardo creó La Última Cena, su mejor obra, la más serena y alejada del mundo
temporal, durante esos años característicos por los conflictos bélicos, las
intrigas, las preocupaciones y las calamidades. Se
cree que en 1494 el
duque de Milán Ludovico
Sforza, llamado "el Moro" encargó a Leonardo la
realización de un fresco para
el refectorio de
la iglesia dominica de Santa
MariadelleGrazie, Milán. Ello explicaría las
insignias ducales que hay pintadas en las tres lunetas superiores. Leonardo
trabajó en esta obra más deprisa y con mayor continuidad que nunca durante unos
tres años. De alguna manera, su naturaleza, que tendía hacia el colosalismo,
supo hallar en este cuadro una tarea que lo absorbió por completo, forzando al
artista a finalizarla.
En 1497 el duque de Milán solicitó al artista que
concluyera la Última Cena, que
terminó, probablemente, a finales de año. Cuando acabó, la pintura fue alabada
como una obra maestra de diseño y caracterización. La dio por terminada, aunque
él, eterno insatisfecho declaró que tendría que seguir trabajando en ella. Fue
expuesta a la vista de todos y contemplada por muchos. Desde ese momento se le
consideró sin discusión uno de los primeros maestros de Italia, si no el
primero. Los artistas acudían desde muy lejos al refectorio del
convento de Santa María delleGrazie, miraban la pintura con detenimiento, la
copiaban y la discutían. El rey
de Francia, al entrar en Milán, acarició la idea de
desprender el fresco de la pared para llevárselo a su país.
Pronto se puso en evidencia, sin embargo, que
nada más acabarse ya empezaba a desprenderse de la pared. Desgraciadamente, el
empleo experimental del óleo sobre yeso seco provocó problemas técnicos que
condujeron a su rápido deterioro hacia el año 1500 lo cual provocó numerosas restauraciones en
la magnífica obra. Leonardo, en lugar de usar la fiable técnica del fresco, que
exigía una rapidez de ejecución impropia de él, había experimentado con
diferentes agentes aglutinadores de la pintura, que fueron afectados por moho y
se escamaron. Desde 1726 se
llevaron a cabo intentos fallidos de restauración y conservación. En 1977 se inició un programa haciendo uso de las
más modernas tecnologías, como consecuencia del
cual se han experimentado algunas mejoras. Aunque la mayor parte de la
superficie original se ha perdido, la grandiosidad de la composición y la
penetración fisonómica y psicológica de los personajes dan una vaga visión de
su pasado esplendor.
Análisis Simbólico:
Leonardo ha escogido, puede que a sugerencia
de los dominicos, el momento quizá más
dramático. Representa la escena de la Última
Cena de los últimos días de la vida de Jesús
de Nazaret según narra la Biblia. La
pintura está basada en Juan 13:21, en la cual Jesús
anuncia que uno de sus 12
discípulos le traicionaría.
Las identidades de cada uno de los apóstoles
es un tema muy discutido, pero, según las inscripciones que hay en una
reproducción de la obra que se guarda en Lugano, son, de izquierda a derecha:
Bartolomé, Santiago el Menor, Andrés, Judas, Pedro, Juan, Tomás, Santiago el
Mayor, Felipe, Mateo, Judas Tadeo y Simón el Cananeo. La última cena es única
entre todas las obras que reflejan esta escena: en ella los apóstoles muestran
un sorprendente despliegue de emociones y reacciones ante la noticia de que uno
de ellos traicionará a Jesús.
Existen varios misterios en la obra:
Se
cree que la figura a la derecha de Jesús, no es en realidad Juan, sino
una figura femenina, que puede representar a María Magdalena, la figura se
inclina en dirección opuesta a la de Jesús formando una V (divinidad femenina),
y sus cuerpos forman una M (Marta y Magdalena).
Cercana a la figura de Pedro aparece una mano
sosteniendo un cuchillo, que puede pertenecerle a él, pero no existe una razón para que este
objeto esté en el cuadro
Se cree que Judas Tadeo, quién está dando la
espalda a Jesús, es un autorretrato de Leonardo.
Realmente sí que
parece haber mensajes escondidos y un olvidado simbolismo, es algo que no está
claro y que ha dado lugar a mucha especulación y a muchas teorías. Sin embargo,
hay que hacer mucho más en este campo en el futuro si queremos desentrañar
siquiera remotamente la mente de Leonardo Da Vinci.
Argumento:
Esta obra considerada como la mejor obra
pictórica del mundo, tiene como motivo principal reflejar el momento en el que
Jesús acaba de anunciar que uno de sus discípulos lo traicionaría. Este mismo
anuncio y las diferentes reacciones de los apóstoles en la mesa es el instante
que Leonardo elige congelar en el tiempo. Para captar las expresiones más
verosímiles, Leonardo estudió las poses, las expresiones faciales y las
fisionomías de muchos de sus contemporáneos, que después incorporó al cuadro.
Análisis Formal:
La Última Cena de
Leonardo Da Vinci es una obra pictórica perteneciente al Renacimiento, cuya
composición es simétrica debido a que existe el mismo número de elementos de un
lado como del otro y esto nos permite tener un equilibrio visual. Es orgánica.
Es una obra centrípeta debido a que la atención se concentra en un punto, en
este caso Jesús.
Según la
distribución de los elementos compositivos en la obra, se debe mencionar que el
punto de interés es central, Jesús es la figura principal del cuadro. Tiene una
dominancia central, tomando en cuenta que en el centro se encuentra la
atención. El cuadro posee una tendencia horizontal.
Comentario:
La última cena es
una obra más importante y polémica de todos los tiempos ya q a tenido varias disputas por los
personajes que se encuentran en la obra, además la obra guarda muchos
misterios ,tal vez bíblicos ,esta obra
ya no se puede apreciar en su totalidad debido a q el tiempo la ha deteriorado .
LAOCOONTE Y SUS HIJOS
Ficha de la Obra:
ÉPOCA: Arte
griego – Arte clásico
UBICACCION: Museo Pío-Clementino (Ciudad de El Vaticano)
AUTOR: Agesandro, Polidoro y Atenodoro de Rodas
DIMENSIONES: 2,42 m de altura
RAZÓN DE SU CREACIÓN: Demostrar el dolor insoportable de un padre
al tratar de defender a sus hijos del terrible ataque de las serpientesMATERIAL UTILIZADO: Mármol
ANÁLISIS BIOGRÁFICO:
Análisis Sociológico:
Laocoonte era el sacerdote del templo de
ApoloTimbreo en Troya, y advirtió a los troyanos que El Caballo de Troya,
llevaba una trampa para ellos, tendida por los griegos aqueos. Para tratar de
demostrar lo dicho, Laocoonte arrojó una lanza que se clavó en el caballo de
madera, péro cuando los troyanos estaban a punto de destruir el caballo, Sinón,
logró convencer a Príamo que era una imagen sagrada de Atenea. Laocoonte
trataba de hacerles entender que todo era una mentira, pero fue en ese momento
que dos serpientes marinas, llamadas Porces y Caribea, salieron del mar y atacaron a los hijos mellizos de Laocoonte
(Atifante y Timbreo), enroscándose alrededor de sus cuerpos
Laocoonte intentó salvarlos, pero sufrió con
la misma suerte. Virgilio, en la Eneida, muestra las serpientes como un castigo
divino por querer destruir el caballo. Los troyanos interpretaron esto como una
muestra de que el caballo era una imagen sagrada y de que Sinón decía la
verdad. Virgilio.
“Ellas, con marcha firme, se lanzan hacia
Laocoonte; primero se enroscan en los tiernos cuerpos de sus dos hijos, y
rasgan a dentelladas sus miserables miembros; luego arrebatan al padre que,
esgrimiendo un dardo, iba en auxilio de ellos, y lo sujetan con sus enormes
anillos: ya ceñidas con dos vueltas alrededor de su cuerpo, y dos veces rodeado
al cuello el escamoso lomo, todavía exceden por encima sus cabezas y sus
erguidas cervices. Pugna con ambas manos Laocoonte por desatar aquellos nudos,
mientras chorrea de sus vendas baba y negro veneno, y al propio tiempo eleva
hasta los astros espantables clamores...“
Argumento:
Esta obra muestra la expresión dramática de
Laocoonte, que se encuentra en agonía. Hay una voluntad de exagerar el efecto
teatral de la anatomía, y se añade el
dolor moral de Laocoonte al presenciar la muerte de sus dos hijos y su
impotencia por no ´poder ayudarlos, debido a que él se encontraba también en las
mismas condiciones, después de todo era un castigo inmerecido.
Análisis SIMBOLICO:
La expresión de dolor y el gran dramatismo de
Laocoonte, que hace contorsiones en dolorosa agonía, son estremecedores. Dentro
del grupo, las dos serpientes monstruosas, que se enroscan para matar de
acuerdo al castigo impuesto por los dioses, con sus líneas curvas consiguen la
unión entre todos los personajes, hecho que ayuda a mostrar la dinámica que se
desprende del grupo.
El
dolor de Laocoonte hincha sus músculos y pone en tensión sus nervios,
pero en su frente se ve la serenidad de su espíritu. Su pecho se eleva para
tratar de contener el dolor; sus hijos lo miran pidiéndole ayuda y él
manifiesta su ternura paternal en su mirada tierna de unos ojos que se dirigen hacia
el cielo implorando ayuda de los dioses. La abertura de su boca tiene un
movimiento que expresa indignación por la idea de un castigo inmerecido.
El hijo de menor tamaño, totalmente
aprisionado, hace esfuerzos sin éxito para tratar de liberarse y aliviar su
mal. El hijo de mayor tamaño apenas está levemente aprisionado por un pie y se
horroriza y grita ante los movimientos de su padre. Pero él todavía tiene la
oportunidad de liberarse y huir.[
Análisis Formal:
La escultura llamada laooconte es una
composición simétrica, es triangular
porque la escultura forma un triangulo con las cabezas de el y sus hijos siendo
la cabeza de laooconte la punta del triangulo, es orgánica, porque no posee
figuras geométricas. Tomando en cuenta la distribución de los elementos
compositivos, debemos mencionar que su punto de interés es central, es decir Laooconte,
debido a que el es llama más la atención. Posee una base dominante inferior con
una tendencia diagonal,. Contiene formas compuestas, formando un solo conjunto.
Comentario:
La escultura laooconte es una escultura muy hermosa, por su estilo,detalles ,pero
representa un castigo de dioses llevanado
a a los espectadores un mensaje visul muy grotesco por el reflejo del
dolor ,la angustia y el temor de su padre al verme mordido por una serpientes q
atacan a sus hijos y a el.la escultura logra trasmitirmede ese miedo y me pone
en una posición de incapacidad al no poder hacer nada para ayudarlos.
CRISTO MUERTO DE CIMABUE – EL
CRUCIFIJO
Ficha de la obra:
ÉPOCA: Arte
Gótico pero manteniendo estilos bizantinos
ANTIGÜEDAD: 1270 d.C
LUGAR DE CONSERVACION: Iglesia de Santo Domingo de Arezzo
AUTOR: Cimabue – Cenni Di Pepo
RAZON DE SU CREACIÓN: Esta obra fue creada para llegar a los fieles en la
Iglesia de Arezzo
DIMENSIONES: 267 cm X 336 cm
MATERIAL: Mosaico
Análisis
Biográfico:
Análisis
Sociológico:
Esta obra fue asignada a Cimabue por Pietro Toesca. Data aproximadamente del año 1270 y fue pintado para la iglesia de Santo Domingo(San Domenico) de Arezzo. Muestra su formación entre maestros de cultura bizantina en la
superficie esmaltada y las telas finamente marcadas con el oro, pero marcó
ciertas distancias, que también le hacían acercarse al gótico.
Esta obra busca el naturalismo ante todo.
Análisis iconográfico:
El Crucifijo de Cimabue se refleja a Cristo
arqueando aún más el cuerpo, que se desborda ya ocupando toda la banda
izquierda de la cruz. Recordando siempre a los modelos de Giunta, las dos
figuras de los paneles a los lados del brazo de la cruz (María y San Juan representados a medio
busto en posición de llanto) y el estilo sobrio, de representación anatómica
del cuerpo del Cristo.
Cristo
presenta los músculos, pectorales marcados por una musculatura tripartita, las
manos extendidas en la cruz, y un suntuoso preciosismo en la cortina. En los
extremos del brazo horizontal se pintan los dos dolientes, la Virgen y San
Juan, aparece en la mesa con el título dado por Pilato, mientras que los lados hay otro motivo decorativo que imita la tela.
Cristo asume una pose elegante, que pone de relieve la tensión de la tortura y
la muerte. En este trabajo se desprende una intensidad de expresión diferente,
alejándose de las fórmulas estereotipadas que caracterizan el arte oriental.
Argumento:
El
Crucifijo de Cimabue representa el momento más doloroso de la pasión de Cristo,
la crucifixión. A los lados posee imágenes de María y San Juan, quienes
estuvieron junto a Jesús en el momento de la crucifixión.
Análisis Formal:
La
mosaico llamado El Crucifijo es una obra que posee una composición simétrica
debido a que existen los mismos pesos visuales, de un lado y de otro; es una
composición geométrica ya q tiene una
grana dominancia de figuras geométricas, es una composición centrípeta debido a
que el punto central está en Cristo.
Según
la distribución de los elementos compositivos en la obra, el punto de interés
es central. ya que la obra tiene una dominancia central, siendo el rostro de Jesús
quien más llama la atención. Tiene una tendencia radical, debido a que se
concentra en un punto clave, en la cabeza de Cristo. Posee una base dominante
superior con una tendencia vertical.
Comentario:
La
crucifixión de cimabue es una obra de orden religiosa q refleja un pasaje de la biblia en donde se muestra la
muerte de Jesús en la cruz.
La
obra es muy importante ya q nos recuerda
un momento crucial de la historia del cristianismo.
LAS MENINAS O FAMILIA DE FELIPE IV
Ficha de la Obra:
ÉPOCA: Arte
Barroco
ANTIGÜEDAD: 1656
AUTOR: Diego
Velázquez
LUGAR ACTUAL: Museo
del Prado, Madrid
MATERIAL
UTILIZADO: Óleo sobre lienzo
DIMENSIONES: 310
cm X 276 cm
RAZÓN DE SU
CREACIÓN: Retratar a Margarita, hija del rey del Rey Felipe
IV, junto a su corte
Análisis
Biográfico:
Análisis
Sociológico:
Las Meninas es la obra
más famosa de Velázquez. Fue pintada por el genial artista sevillano en 1656,
fecha bastante razonable si tenemos en cuenta que la infanta Margarita nació el
12 de julio de 1651 y aparenta unos cinco años de edad. Sin embargo, Velázquez
aparece con la Cruz de la Orden de Santiago en su pecho, honor que consiguió en
1659. La mayoría de los expertos coinciden en que la cruz fue pintada por el
artista cuando recibió la distinción, apuntándose incluso a que fue el propio
Felipe IV quien lo hizo.
Felipe IV y la
reina Mariana
solían entrar con frecuencia en el taller del pintor, conversaban con él y a
veces se quedaban bastante tiempo viéndole trabajar, sin protocolo alguno. Esto
era algo muy repetido en la vida normal de Palacio y Velázquez estaba
acostumbrado a estas visitas. El lugar donde trabajaba Velázquez era una sala
amplia del piso bajo del antiguo Alcázar de Madrid que había sido el aposento del príncipe Baltasar Carlos, muerto en 1646,
diez años antes de la fecha de Las
Meninas. Cuando el príncipe murió, reutilizaron esta estancia como
taller del pintor. Es precisamente este lugar el que aparece retratado en el
cuadro; por eso el ambiente que puede verse es cotidiano y familiar.
Análisis
Simbólico:
La escena del
cuadro está presidida por la infanta
Margarita y a su lado se sitúan las meninas María Agustina Sarmiento e Isabel
de Velasco. En la izquierda se encuentra Velázquez con sus pinceles, ante un
enorme lienzo cuyo bastidor podemos observar. En la derecha se hallan los enanos
Mari Bárbola y Nicolasillo Pertusato, este último jugando con un perro de
compañía. Tras la infanta observamos a dos personajes más de su pequeña corte:
doña Marcela Ulloa y el desconocido guardadamas. Reflejadas en el espejo están
las regias efigies de Felipe IV y su segunda esposa, Mariana de Austria. La
composición se cierra con la figura del aposentador José Nieto.
La infanta Margarita llega, acompañada de su corte, al
taller de Velázquez para ver como éste trabaja. Nada más llegar ha pedido agua,
por lo que María Sarmiento le ofrece un búcaro con el que paliar su sed. En ese
momento, el rey y la reina entran en la estancia, de ahí que algunos personajes
detengan su actividad y saluden a sus majestades, como Isabel de Velasco. Esta
idea de tránsito se refuerza con la presencia de la figura del aposentador al
fondo, cuya misión era abrir las puertas de palacio a los reyes, vestido con
capa pero sin espada ni sombrero. La pequeña infanta estaba mirando a
Nicolasillo, pero se percata de la presencia de sus regios padres y mira de
reojo hacia fuera del cuadro. Marcela Ulloa no se ha dado cuenta de la llegada
de los reyes y continúa hablando con el aposentador, al igual que el enano, que
sigue jugando con el perro.
Pero el verdadero misterio está en lo que no se ve, en el
cuadro que está pintando Velázquez.
Algunos autores piensan que el pintor sevillano está haciendo un retrato del Rey y de su esposa a gran formato, por lo que los monarcas reflejan sus rostros en el espejo.
Algunos autores piensan que el pintor sevillano está haciendo un retrato del Rey y de su esposa a gran formato, por lo que los monarcas reflejan sus rostros en el espejo.
Se ha considerado lo siguiente: las cabezas de los
personajes de la izquierda y las manchas de los cuadros forman un círculo,
símbolo de la perfección. En el centro de ese círculo encontramos el espejo con
los rostros de los reyes, lo que asimila la monarquía a la perfección. Si
unimos las cabezas de los diferentes personajes se forma la estructura de la
constelación llamada Corona Borealis, cuya estrella central se denomina
Margarita, igual que la infanta. De esta manera, la continuidad de la monarquía
está en la persona de Margarita, en aquellos momentos heredera de la corona.
Argumento:
Es una obra que refleja un día cotidiano en el palacio,
en donde se muestra a la infanta y sus damitas de
compañía que irrumpen en el estudio de Velázquez, pintor de cámara del rey
Felipe IV, que se observando a los reyes Felipe IV y Mariana de Austria, a
quienes vemos reflejados en el espejo del fondo.
Análisis Formal:
Las Meninas de Velázquez
es una obra perteneciente al arte barroco; cuya composición es compleja (varios
planos). Es una obra simétrica debido a que existen objetos y personajes que
compensan el peso visual de un lado y del otro. Es una composición aérea, ya
que existe una degradación de las gamas tonales con el aumento de la distancia
y el alejamiento. Es orgánica debido a que no posee formas geométricas. Tomando
en cuenta la distribución de los elementos compositivos de la obra, el punto de
interés está en la infanta Margarita por es quien llama más la atención. El
cuadro tiene una base dominante inferior que es donde se concentra la
importancia del cuadro. Tiene una tendencia horizontal. Posee formas
singulares.
Comentario:
Las mininas
de Velázquez es una obra muy famosa, que
representa un día cotidiano en el palacio, donde el centro de interés es
la hija del rey ,es una obra que tiene
una perfección impresionante en reflejar los retratos de las personas q se
encuentran en el cuadro.
La obra tiene
un punto muy original q es q el pintor de la corte Velázquez firma incluyendo
se el en el cuadro envés de solo poner su nombre.
LA LECHERA
Ficha de la Obra:
ÉPOCA: Arte
Barroco
ANTIGÜEDAD: 1660
-1661
AUTOR: Johannes
Vermeer
LUGAR ACTUAL: Rijksmuseum
de Amsterdam
MATERIAL UTILIZADO: Óleo sobre
lienzo
DIMENSIONES: 44,5
cm X 41 cm
RAZÓN DE SU CREACIÓN: Representación de una escena de la vida cotidiana
Análisis Biográfico:
Análisis Sociológico:
Aunque
por la época se le adscribe al Barroco, lo cierto es que la pintura conocida de
Vermeer se diferencia mucho de la de su época, en ciertos aspectos está por su
"intemporalidad" y "cristalinidad": a diferencia del
barroco común la obra de Vermeer carece de muchos adornos, es ascéptica, con un
aire casi cristalino, limpio, depurado, e intemporal como si detuviera el
instante en un momento claro y eterno. Su obra resulta así muy singular en
cuanto a que es muy personal y por esto difícilmente encasillable en un estilo;
con una cristalina austeridad y una fidelidad obsesiva.
La
paleta de Vermeer se reconoce en los colores amarillos, los azules matizados y
el gris. El pintor holandés usa una pincelada impecable y detallista que en
ocasiones llega al puntillismo. Esos pequeños toques de color potencian la
intensidad lumínica y evocan también la sensación de humedad del agua. Donde
más destaca este pintor es en su tratamiento particular de la luz.
Análisis Simbólico:
Esta
pintura consigue unir de un modo magistral dos conceptos que en principio
parecen antagónicos: una sensación de monumentalidad, y un gran sosiego. La
criada se encuentra en su universo particular, en un interior casi desnudo, con
la presencia de unos pocos objetos, sencillos. El gesto inmortalizado por
Vermeer tiene algo de estatua antigua. Está de pie, bañada en luz. El pintor ha
utilizado sus colores: el azul (azul ultramar) y el amarillo, en sorprendente
armonía.
Los
objetos de la mesa constituyen, como tantas veces en Vermeer una auténtica
naturaleza muerta, donde el pintor hace gala de su excelente técnica para la
plasmación de lo sencillo, consiguiendo resultados vivos y límpidos.
La
cocinera está probablemente preparando una especie de pudding; en el cuenco hay
ya huevos batidos, y después de añadir la cantidad adecuada de leche y tal vez
la cerveza de la jarra azul se pondrán en remojo los trozos de pan, y el
cuenco, con una tapadera también de barro, se dejará en el horno durante varias
horas. La caja que hay en el suelo es un brasero de pies: fijándose más se ve
un recipiente de barro en el que hay unas ascuas, lo cual refuerza la sensación
del invierno, de un frío acentuado por la humedad que oscurece la pared debajo
de la ventana. Un cesto de mimbre cuelga de la pared, muy alto, porque se
guardarán en él alimentos fuera del alcance de los ratones; junto a él, una
vasija de cobre refleja la luz con un brillo metálico y proyecta una sombra
débil sobre la superficie no muy limpia del yeso. Ajena a todo y ensimismada en
su tarea, la cocinera tiene una expresión casi risueña, de labios entreabiertos
y ojos entornados, complacida en lo que ven sus ojos y lo que tocan sus manos,
el asa de barro cocido que sostiene la derecha y la panza que se apoya en la
palma abierta de la izquierda.
Argumento:
La
lecha representa una la figura de una mujer, probablemente una criada, que está
vertiendo leche de una jarra en un recipiente de barro que descansa sobre una
mesa. En esa misma mesa, hay una cesta
de mimbre, varios pedazos de pan y una jarra azulada,El resto de la habitación
es bastante austera
Análisis
Formal:
La
obra de Vermeer, llamada La Lechera, es una obra perteneciente al arte barroco,
cuya composición es simétrica porque existe un balance en el peso visual de la
obra, existe juego de claroscuro. Es
orgánica porque no posee figuras geométricas. De acuerdo a la distribución de
los elementos compositivos dentro de la obra, se observa que el punto de
interés de la obra se encuentra en el lateral derecho, en la mujer, por q es lo
que más llama la atención. Posee una dominancia lateral derecha. La obra tiene
tendencia diagonal, inclinación dada por el brazo derecho de la mujer y la
mesa. Posee formas compuestas.
Comentario:
La obra de Vermeer la lechera es una pintura q llama
mucho la tención y q intriga también ya q nos interrogamos por q esta retratada
una criada ya q el pintor acostumbraba pinta mujeres de lata sociedad, pero sin
embargo es una obra muy hermosa ya q llama la atención por su juego de colores
y representar la vida cotidiana de esa época.
EL AQUELARRE
Ficha de la Obra:
ÉPOCA: Romanticismo
ANTIGÜEDAD: 1819 - 1823
AUTOR: Francisco de Goya
LUGAR ACTUAL: Museo del Prado, Madrid
MATERIAL UTILIZADO: Óleo
sobre revoco trasladado a lienzo
DIMENSIONES: 140 cm X 438 cm
RAZÓN DE SU CREACIÓN: Fue
parte de la decoración de la casa del pintor (Quinta del Sordo)
Análisis Biográfico:
Análisis Sociológico:
El
cuadro El
aquelarre, o El gran Cabrón, es una de las pinturas al óleo sobre revoco que
conforman las llamadas Pinturas
negras con que Francisco de Goya decoró los muros de su casa, llamada la Quinta del Sordo. La serie fue pintada entre 1819 y 1823. Era el Aquelarre el
motivo central de la sala, llenando el lienzo entero del lado sur entre dos
pequeñas ventanas. Enfrente figuraba un óleo de similar formato: La romería de San Isidro.
Esta
obra, junto con el resto de las Pinturas
negras, fue trasladada de revoco a lienzo en 1873 por Salvador
Martínez Cubells, por encargo de un banquero belga, que tenía intención de venderlas en la Exposición Universal de París de 1878. Sin embargo, las obras no atrajeron compradores y él mismo las donó,
en 1881, al Museo del Prado, donde actualmente se exponen.
Análisis Simbólico:
Los personajes
principales el Cabrón tienen el rostro oculto. El macho cabrío, que representa
al demonio y tiene la boca abierta, estaría dirigiendo la palabra , que al
parecer está siendo postulada a bruja. El resto de las figuras, además, lo
miran, por lo que parecen prestar oídos a sus palabras, excepto la que aparece
de espaldas en primer término, con mantilla de novicia, que mira a la joven.
Todas
las figuras tienen aspecto grotesco y sus rostros están fuertemente
caricaturizados, hasta el punto de haber animalizado sus rasgos. Por otro lado,
la paleta es, como en todas las Pinturas
negras, muy oscura, con abundante uso del negro. Algunas manchas de
blanco muy veladas traslucen sombras también oscuras, y el resto de la gama va
desde los amarillos y ocres hasta las tierras rojas con alguna pincelada a
manchas azules.
La
aplicación de la pintura es muy suelta, gruesa y rápida, buscando una
contemplación lejana. Sin embargo aparecen líneas más finas que contornean las
siluetas. Todos estos rasgos dotan al conjunto de una atmósfera de pesadilla,
de ritual o ceremonia satánica, como corresponde al tema.
Argumento:
Goya, en sus
inicios retrataba con entusiasmo y alegría (cartones para tapices, primeros
retratos); pero tiempo después se queda sordo tras superar una enfermedad, lo
que supone un gran cambio para el pintor tanto en lo personal como en lo
artístico; de esta manera inicia una nueva fase en la que se dedica a pintar sus famosas pinturas negras, en las que representa temas terroríficos,
reuniones con el demonio, brujería, temas de supersticiones populares, etc.
Análisis Formal:
El Aquelarre es una obra de Goya, perteneciente al Romanticismo, su
composición es simétrica ya que existe un equilibrado peso visual; es
centrípeta debido a que se concentran en un punto, formando una composición
cerrada en forma circular. Es orgánica porque carece de formas geométricas,
según la distribución de los elementos compositivos de la obra, se determina
que el punto de interés es el demonio que se encuentra al lado izquierdo de la
obra, el cual resalta por su gran tamaño y su color negro. Este cuadro posee una
dominancia lateral izquierda; con una tendencia radial concentrada en un punto.
Comentario:
La obra de Goya el grana carbón es muy llamativa, misteriosa y oscura, y es un claro ejemplo de q los pintores reflejan es sus
cuadros su estado de ánimo y sus pensamientos
mas ocultos, ya q Goya antes de quedar sordo pintaba cuadros alegres, y
después sus obras cambiaron a temas
terroríficas.
EL
DORMITORIO EN ARLES
Ficha de la Obra:
ÉPOCA: Postimpresionismo
ANTIGÜEDAD: 1888 - 1889
AUTOR: Vicent Van Gogh
LUGAR ACTUAL: Museo Van Gogh,
Amsterdam
MATERIAL UTILIZADO: Óleo
sobre lienzo
DIMENSIONES: 72 cm X 90 cm
RAZÓN DE SU CREACIÓN: Representa la habitación de Van Gogh en Francia,
conocida como su Casa Amarilla.
Análisis
Biográfico:
Análisis
Sociológico:
El dormitorio en Arleses el título que reciben tres cuadros similares, obra del pinto rVincent van Gogh. Hay tres versiones auténticas descritas en sus cartas, que se
distinguen con facilidad entre ellas por los cuadros que hay a la derecha de la
pintura.
El primer cuadro, lo llevó
a cabo en octubre de 1888, cuando estaba esperando a su colega, el artista Paul Gauguin para reunirse con él en
Arles, al sur de Francia; el cuadro fué llamado “La habitación de Van Gogh, Mansión Amarillla“, el cualestá ubicado
actualmente en el Museo Rijks Vincent
Van Gogh en Amsterdam.Van Gogh
pretendía transmitir la idea de descanso y sueño, a partir sobre todo del uso
de tonos verdosos y azulados, que sugirieran «el descanso y el sueño en
general». Reforzaría esta idea la figuración pictórica que se encuentra sobre
la cama y la escasez de objetos de la habitación, ordenada y limpia. Utilizó
tres pares de colores complementarios: rojo y verde, amarillo y violeta, azul y
naranja
La segunda
versión llamada “La habitación de Van
Gogh en Arles” de septiembre de 1889 que actualmente se encuentra en el
Instituto de Arte de Chicago.
La
tercera, la cual pintó para su madre en 1889 mientras se recuperaba de un colapso
nervioso en un manicomio de Saint-Remý
Análisis Simbólico:
La
puerta a la derecha se abría a la planta superior y la escalera, la puerta de
la izquierda servía para la habitación de invitados que preparó para Gauguin. Sobre la pared del frente se abre una ventana, por encima de una
mesita, ligeramente descentrada. Esta ventana daba a la Place Lamartine y sus
jardines públicos. Pero el panorama más allá de la ventana no puede verse
La habitación no era rectangular sino trapezoidal, con un ángulo obtuso en la esquina izquierda de la pared frontal y un ángulo agudo en la derecha. Van Gogh evidentemente no dedicó mucho tiempo a este problema, simplemente indicó que allí, de alguna manera, había una esquina.
La habitación no era rectangular sino trapezoidal, con un ángulo obtuso en la esquina izquierda de la pared frontal y un ángulo agudo en la derecha. Van Gogh evidentemente no dedicó mucho tiempo a este problema, simplemente indicó que allí, de alguna manera, había una esquina.
Es un
alojamiento modesto, con poco mobiliario, hecho de madera de pino: una cama a la derecha, un perchero, dos sillas, una mesilla de madera
en el ángulo y cuadros en las paredes.
Una
fuerte perspectiva, con la típica leve torsión, propia del autor, refleja sus ideas sobre
la pintura.
En
esta obra, Van Gogh realiza una descripción formal de la obra, pero además nos
explica, entre otros asuntos, la importancia que para él tiene el color en
ella, otorgándole un valor simbólico de reposo y sosiego.
Argumento:
Van
Gogh en su cuadro inspirar tranquilidad y sosiego en el que solamente se
observa su austero dormitorio. La espera ante la llegada de Gauguin supone para
Vincent un incentivo a la hora de crear imágenes hasta ahora impensables para
el mundo.
Análisis Formal:
El
dormitorio de Van Gogh es una obra pos impresionista, cuya composición es
asimétrica porque el lado derecho de la obra tiene un mayor peso visual debido
al gran tamaño de la cama. Es geométrica ya que la mayoría de sus objetos
tienen formas geométricas. De acuerdo a la distribución de los elementos
compositivos, se debe mencionar que el punto de interés se encuentra en el lado
derecho de la obra, hay q tiene más peso visual. La obra posee una dominancia
lateral derecha; con una tendencia diagonal.
Comentario:
Las
obras de Van Gogh son muy sencillas y cotidianas pero interesantes ya que los colores q utilizada para sus cuadros
tenían mucha simbología, un claro ejemplo es su obra llamada el cuarto de van
Gogh que tiene colores verdosos y azulados con los q trataba de expresar tranquilidad y descanso
PRIMAVERA
Ficha de la Obra:
ÉPOCA: Modernismo
ANTIGÜEDAD: 1896
AUTOR: Alfons
Mucha
LUGAR ACTUAL: Mucha
Museum, Praga
TÉCNICA: Cartelismo
ESTILO: Art Nouveau
RAZÓN DE SU CREACIÓN: Carteles de promoción y publicidad
Análisis Biográfico:
Análisis Sociológico:
Las
artes en el mundo sufrían una revolución cuyo epicentro era el corazón de
Francia y el siglo XIX daba sus últimos coletazos. Mucha desarrolló un estilo
personal el cual extrañamente ligó a la publicidad y el cartelismo.
En
1887 llagaba a Paris para estudiar arte procedente de Viena un joven artista
checoslovaco. La efervescencia artística parisina y una diva de la escena
cambiarían su vida y obra formando a un artista singular. Su nombre era Alfons
Maria Mucha.
Su estilo de figuras femeninas como epicentros
de una atención desmesurada de lujo extremo y recargados ornamentos y fondos
llegó a impresionar. Mucha puede ser
considerado el pionero del diseño artistico publicitario.
Análisis Simbólico:
Siempre
buscó inspirarse en elementos reales y de la naturaleza para crear a estos
seres irreales que se asemejan a diosas, hadas o hechiceras. Los trabajos de
Mucha frecuentemente introducían mujeres jóvenes, hermosas y saludables,
flotando en atuendos vagamente neoclásicos, frecuentemente rodeadas de exuberantes
flores las que a a veces formaban halos detrás de sus cabezas
Algunas
de sus obras se originaron para calendarios, pero en la actualidad se las
aplica en diferentes piezas gráficas, como menús, cajas, paneles, etc.
Argumento:
Mucha
es refleja en imágenes promocionales o de publicidad a mujeres elegantes y sensuales enmarcadas
entre flores y joyas.
Análisis Formal:
La obra
“la primavera” de Alfons Mucha pertenece al Arte Modernista; cuya composición
es simétrica porque existe una armonía y equilibrio en los pesos visuales de la
obra. Es orgánica porque no posee figuras geométricas.
Según
la distribución de los elementos compositivos dentro de la obra, se debe
mencionar que el punto de interés se encuentra en el torso y piernas de la
mujer, porque es lo q más llama la atención. Esta obra posee una dominancia
central, porque la mujer se encuentra justamente en el centro del cuadro; tiene
una tendencia diagonal, porque la mujer está un poco inclinada hacia la derecha.
Comentario:
Las
obra de Alfons Mucha es de estilo muy imaginativo irreal por q las mujeres soy
muy perfectas y están en pintadas en lugares muy fantasioso.
La
primavera es un cartel publicitario muy bello ya q representa a una mujer
exuberante, angelical, y expresa mucha tranquilidad.
EL ABRAZO
Ficha de la Obra:
ÉPOCA: Simbolismo
AUTOR: Gustav
Klimt
Ubicación:
MATERIAL UTILIZADO: Óleo
sobre tela
DIMENSIONES:
RAZÓN DE SU CREACIÓN: Trataba de representar la unión sentimental a través de una abrazo.
Análisis Biográfico:
Análisis Sociológico:
Klimt (1867-1918) es un pintor verdaderamente personal y sus
obras fácilmente reconocibles. Casi siempre vemos en sus cuadros bellas escenas
de carácter sensual y erótico tratadas con finura, elegancia y buen gusto.
Besos, abrazos y caricias entre varias personas rodeadas de flores, dorados y
tejidos de colores suelen ser los motivos de sus obras. En realidad, Klimt fue
un pintor realista y figurativo en su primera etapa, pero a
partir de 1.900 comienza a suprimir toda referencia perspéctica y
tridimensional en sus obras. De este modo son sólo dos dimensiones las que
muestra en sus deliciosas escenas.
Argumento:
En esta obra, la ornamentación
parece engullir a los amantes. La amplia figura del hombre aparece de espaldas,
abarcando a la mujer con sus fuertes brazos, permitiendo contemplar sólo una
parte de su rostro y su brazo, cubierto con un vestido estampado, cuya silueta
también podemos observar.
Análisis Formal:
El
abrazo de Klimt es una obra ícono del Simbolismo, cuya composición es simétrica
al haber una armonía; es geométrica al mostrar en los vestidos figuras geométricas, ya q los personajes tienen
tendencias geométricas. Tomando en cuenta la distribución de los elementos
compositivos de la obra, se determina que el punto de interés se encuentra en
la parte superior,entre la cabeza y los hombro demostrando una brazo profundo y
muy fuerte. Esta obra posee una base dominante superior, y tiene una tendencia
vertical, inclinación dada por la posición de los personajes, contiene formas
plurales.
Comentario:
La obras de Gustav Klimt son simbólicas, tiene colorido con detalles, una composición muy original y
expresa los sentimientos más sublimes del ser humano. También un poder decorativo del escenario pictórico
de flores y colores que envuelven a sus personajes.
EL GRITO
Ficha de la Obra:
ÉPOCA: Expresionismo
ANTIGÜEDAD: 1893
AUTOR: Eduard
Munch
LUGAR ACTUAL: Galería
Nacional de Oslo, Noruega
MATERIAL UTILIZADO: Óleo,
temple y pastel sobre cartón
DIMENSIONES: 89 cm
X 73,5 cm
RAZÓN DE SU CREACIÓN: reflejar sus sentimientos y emociones
Análisis Biográfico:
Análisis Sociológico:
La
fuente de inspiración para El grito
podría encontrarse quizá, en la atormentada vida del artista, un hombre educado
por un padre severo y rígido que, siendo niño, vio morir a su madre y a una
hermana de tuberculosis. En
la década de 1890, a Laura, su hermana favorita, le diagnosticaron una dolencia
bipolar y fue internada en un psiquiátrico. El estado anímico del artista queda
reflejado en estas líneas, que Munch escribe en su diario hacia 1892:
“Paseaba por un sendero con dos amigos - el
sol se puso - de repente el cielo se tiñó de rojo sangre, me detuve y me apoyé
en una valla muerto de cansancio - sangre y lenguas de fuego acechaban sobre el
azul oscuro del fiordo y de la ciudad - mis amigos continuaron y yo me quedé
quieto, temblando de ansiedad, sentí un grito infinito que atravesaba la
naturaleza”.
La situación personal de Munch está
íntimamente relacionada con esta obra: de personalidad depresiva y traumatizado
por su relación con las mujeres, a quienes odia fervorosamente y se ocupa de
retratar lo más tétricamente posible, en el momento de pintar este cuadro
acababa de sufrir el fallecimiento de su madre. Esto le marcó terriblemente y
es uno de los condicionantes que le impulsaron a emitir este grito visceral.
Munch realizó cuatro versiones de El grito. El original de 1893 con una
técnica mixta de óleo y pastel sobre cartón, está expuesto en la Galería
Nacional de Oslo. La segunda
(83,5 x 66 cm) en témpera sobre cartón se exhibió en el Museo Munch de Oslo hasta que fue robado en 2004. La tercera pertenece al mismo museo y la cuarta es
propiedad de un particular. Para responder al interés del público, Munch
realizó también una litografía (1895) que permitió imprimir el cuadro en revistas y
periódicos.
Análisis Iconográfico:
El simbolismo de la imagen es patente en el
rostro agitado del protagonista en primer plano, que es casi una calavera que
se aprieta el cráneo con las manos para que no le estalle.
El empleo de los colores, violentos,
arqueados en agresivas bandas de color, es puramente simbólico y trata de
transmitir al espectador el agitado estado de ánimo del autor.
Esta sensación se refuerza con la presencia
de dos testigos mudos, lejanos, anónimos, dos figuras negras que se recortan al
fondo de una violentísima perspectiva diagonal que agrede la visión de quien la
contempla.
Argumento:
Significar el gran desaliento que el hombre
moderno sentía ante ,convirtiéndose en altavoz de la angustia existencial que
caracteriza el pensamiento contemporáneo en alguna de sus facetas.
Análisis Formal:
El
Grito de Eduard Munch es una obra expresionista contemporánea. Su composición
es simétrica porque existe armonía y el peso visual se distribuye de igual
manera a ambos lados. Es orgánica ya que no muestra figuras geométricas. De
acuerdo a la distribución de los elementos compositivos dentro de la obra, el
punto de interés está en el hombre que
emite el grito desesperado, ya que es el que más resalta dentro de la obra.
Posee una base dominante inferior y una tendencia diagonal, ya que el hombre se
encuentra apoyado en un puente que tiene
una inclinación diagonal.
Comentario:
El
grito de Eduard Much es una obra impresionante por su significado ya q llega a
mostrar hasta qué punto el ser humano llega a soportar las situaciones de la
vida ,el claro reflejo es que el autor se auto refleja con el grito de desesperación ala no soportar más la
situación q estaba viviendo.
GUERNICA
Ficha de la Obra:
ÉPOCA: Cubismo
ANTIGÜEDAD: 1937
AUTOR: Pablo
Picasso
LUGAR ACTUAL: Museo
Nacional Centro de Arte Reina Sofía
MATERIAL UTILIZADO: Óleo
sobre lienzo
DIMENSIONES: 3,50
m X 7,80 m
RAZÓN DE SU CREACIÓN: Fue realizado por encargo del Gobierno de la República Española para ser expuesto en el pabellón español durante la Exposición
Internacional de 1937 en París.
Análisis Biográfico:
Análisis Sociológico:
Guernica es un famoso cuadro de
Pablo Picasso, pintado en los meses de mayo y junio de 1937,
cuyo título alude al bombardeo
de Guernica, ocurrido el 26 de abril de dicho año,
durante la Guerra
Civil Española. Fue realizado por encargo del Gobierno de
la República Española para ser expuesto en el pabellón español durante la Exposición
Internacional de 1937 en París, con
el fin de atraer la atención del público hacia la causa republicana en plena
Guerra Civil Española.En la década
de 1940, puesto que en España se había instaurado el
régimen dictatorial del general Franco, Picasso optó por dejar que el cuadro fuese custodiado por el Museo
de Arte Moderno de Nueva York, aunque expresó su
voluntad de que fuera devuelto a España cuando volviese al país la democracia.
En 1981 la obra llegó finalmente a España. Se expuso al público primero en el Casón
del Buen Retiro, y luego, desde 1992, en
el Museo Reina Sofía de Madrid, donde se encuentra en exhibición permanente.Su interpretación es
objeto de polémica, pero su valor artístico está fuera de discusión. No sólo es
considerado una de las obras más importantes del arte del siglo XX, sino que se
ha convertido en un auténtico "icono del siglo XX", símbolo de los
terribles sufrimientos que la guerra infringe a los seres humanos.. El Guernica
se encontraba en el atrio del pabellón, junto con la escultura Fuente de Mercurio de Alexander
Calder
Análisis iconográfico:
·
Contemplando la
obra de derecha a izquierda se puede ver una mujer desesperada, gritando de
dolor dentro de una casa que se derrumba y arde.
·
A su izquierda dos
mujeres más, la de la parte superior asoma por una ventana y porta en su mano
una lámpara, la luz de la verdad, que ilumina los estragos producidos por la
barbarie. La de la parte inferior sale de la casa arrastrándose en su agonía.
·
En el centro de la composición se encuentra el
caballo, retorcido sobre sí mismo y mostrándonos una espuela; su boca abierta y
su lengua-lanza demuestran su excitación ante los acontecimientos. Justo encima
está el sol, empequeñecido, en forma oval y con una bombilla en su centro como
si el humo del bombardeo hubiese contraído el astro rey y la única fuente de
iluminación tuviese que ser artificial. Un poco a la izquierda un pájaro agita
las alas y clama al cielo desesperado como si pidiese inútilmente una
explicación para lo acontecido.
·
Bajo las patas del caballo yace el guerrero
muerto, su mano todavía sujeta una espada rota.
·
En el extremo
izquierdo, un toro contempla la escena sorprendido y desconcertado y, a su lado
una visión terrible: una madre abrumada por el dolor lleva en sus brazos el
cuerpecito de su hijo muerto mientras mira al cielo rota por el dolor y la
pena.
·
Picasso renuncia
al color para acentuar el dramatismo y sólo utiliza la gama de grises, el
blanco y el negro, es lo que en arte se denomina grisalla.
Argumento:
Es un cuadro
“sonoro”, los personajes gritan, gesticulan y mueren bajo las bombas ciegas que
con todo acaban. La denuncia de la violencia es aquí intemporal y ha sido
siempre utilizada como un canto contra la sinrazón de la destrucción y la
muerte en cualquier guerra. Picasso pinta a las cuatro mujeres en actitudes
desesperadas, son la población civil indefensa, pero también al militar caído
en la defensa y a los animales, ajenos a la locura humana.
Análisis Formal:
La
obra Guernica de Picasso pertenece al cubismo, pero mantiene ciertas técnicas
del expresionismo, tiene una composición simétrica a pesar de estar los
elementos dispersos, pero existe un equilibrio a los dos lados de la obra. Es
geométrica porque sus personajes tienen tendencias geométricas. La obra tiene
como punto de interés el centro de la obra que es lo que tiene más luminosidad.
Guernica posee una dominancia central, y una tendencia diagonal.
Comentario:
Guernica sin duda
es una de las mejores obras del mundo pos su significado ya q expresa la dura realidad de la guerras
principal mente de España.
Guernica es una
obra impresionante por q muestra los
gritos desesperados de las mujeres al ver caer a sus guerreros yl os
animales desesperados sin entender lo q estaba pasando.
FUENTE – URINARIO DE DUCHAMP
Ficha de la Obra:
ÉPOCA: Dadaísmo
ANTIGÜEDAD: 1917
AUTOR: Marcel
Duchamp
OBJETO: Urinario
de porcelana blanca firmado con el seudónimo de “R. Mutt”
ESTILO: Ready
– made
RAZÓN DE SU CREACIÓN: Fue realizado para romper las barreras del arte y ampliar sus horizontes
Análisis Biográfico:
Análisis Sociológico:
En 1917 Marcel Duchampfue invitado por la galería Grand Central de Nueva York a formar parte del
jurado de una exposición deartistas independientes. Sin
informar a nadie, el propio Duchamp envió para exponer en
esa exposición este urinariode porcelana blanca firmado con el
seudónimo "R. Mutt". Su obra fue rechazada y esto provocó un
escándalo en el mundo del arte.
Con esta actitud provocadora Marcel Duchamp quiso mostrar su
desilusión ante las formas tradicionales del arte, pintura y escultura, como
medios de expresión, y su
rechazo ante la idea de que el arte y el artista tienen una "naturaleza
especial" distinta a la de
los hombres y objetos ordinarios. Su gesto de enviar a la exposición un producto comercial fabricado
en serie y firmado por un "artista" inexistente, se opone
radicalmente a la sacralización de la obra de arte como "creación única e irrepetible",
salida de las manos de un "genio". Este desafío
"antiartístico" proponía romper con las barreras del arte y ampliar
sus horizontes
El ready-made es
un concepto difícil de definir incluso para el propio Duchamp, que declaró no
haber encontrado una definición satisfactoria. Es una reacción contrael arte
visual, por contraposición a un arte que se aprende desde la mente. Al crear
obras de arte a partir de objetos simplemente eligiéndolos.
Análisis
Iconográfico:
El concepto artístico que Duchamp
postula con obras como Fuente es el
del ready-made, es decir
"lo ya hecho" u "objeto encontrado". Es decir que encuentra
objetos manufacturados que
descontextualiza de su entorno común y a los que les otorga una nueva
identidad. Con ello, Duchamp
ubica la esencia del acto artístico en la IDEA y selección del objeto, no en la
creación ni en la imagen visual de
la obra. De este modo, el artista se libera de la manualidad y, por ende, de la técnica, que la tradición
artística entendía como indisolubles del acto creador.
Desde Marcel Duchamp, el mundo no sería ya
nunca más un conjunto de ciudadanos, sino una masa de espectadores. El
proceso tardaría todavía varios decenios en consolidarse, pero su desenlace era
inexorable. En los lienzos de los cuadros empezaron a aparecer trozos de
vidrio, alpargatas, tornillos, insectos, detritus, serrín, trozos de periódico
o mondas de patata. Los nuevos ‘artistas’ se lanzaron con entusiasmo a explorar
el simbolismo del cuadro vacío
Argumento:
Conocer una nueva propuesta para expresar;
utilizando objetos ya existentes y de esta manera agregarles ciertos elementos
que los hagan originales. Dando una perspectiva diferente del arte al mundo.
Análisis
Formal:
La Fuente de Duchamp es una obra
perteneciente que da inicio al Dadaísmo y al ready-made. La composición de esta
obra es simétrica. Es geométrico porque posee tendencias . Tomando en cuenta la distribución de los elementos
compositivos de la obra, se define que el punto de interés es central, en los
agujeros que contiene el objeto. La dominancia de la obra es central, y tiene una tendencia vertical,
inclinación dada por la posición del objeto. La obra posee formas singulares.
Comentario:
El artista Duchamp es muy original ya q dejo a tras el concepto ambiguo que se
tenia del arte, realizando una nueva propuesta para expresar el arte utilizando objetos ya
existentes y de esta manera agregarles ciertos elementos que los hagan
originales. Dando una perspectiva diferente del arte al mundo.
EL CONJUNTO
Ficha de la Obra:
ÉPOCA: Expresionismo Abstracto
ANTIGÜEDAD: 2004
AUTOR: MARCELO AGUIRRE
LUGAR ACTUAL: MUSEO
CONTEMPORANEO EN CUENCA
MATERIAL UTILIZADO: Pedazos
de plásticos cortados sobre madera
RAZÓN DE SU CREACIÓN: expresar
el libre tratamiento de la materia y el color
Análisis de la obra:
Análisis Sociológico:
Nació
en Quito, Ecuador, en 1956. Realizó estudios en el Taller de Eduardo Serna,
Argentina; en la Universidad Central de Quito, y en la Escuela Superior de
Artes de Berlín donde fue becado por el Instituto Alemán de Intercambios entre
1983 y 1984.Ha expuesto en importantes galerías y museos, entre los que se destacan: Instituto Iberoamericano, Bonn, RFA (1985); Museo de Arte Moderno de Cuenca (1987); II Bienal de La Habana (1986); XIX y XXII Bienal de Sao Paulo (1987 y 1994), y I, II y V Bienal Internacional de Pintura, Cuenca, Ecuador (1987, 1989 y 1996). Ha obtenido, entre otros, los siguientes reconocimientos: Premio Julio Le Parc, de la II Bienal Internacional de Pintura de Cuenca, Ecuador (1989); Premio Marco, Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, México (1995), y Segundo Premio de la Bienal de Pintura de Osaka, Japón (1997).
Análisis Iconográfico:
Su
obra pictórica aborda la condición existencial del desgarro, la enajenación y
la soledad del hombre contemporáneo, expresada en el libre tratamiento de la
materia y el color. Trabaja una figuración sugerida que parece emerger de una
pintura sumamente orgánica.
Análisis
Formal:
La obra
El conjunto de es una muestra del
expresionismo abstracto. Su composición es simétrica porque existe un
equilibrio claro en pesos visuales. Es geométrica porque muestra figura definida.
En la distribución de los elementos de la composición, podemos mencionar que el
punto de interés de la obra es central, debido a que lo que más resalta es el
color rojo. La obra tiene dominancia central; y una tendencia horizontal.
Comentario:
Las obras de Marcelo Aguirre son de carácter abstracto,
y muy simbólicas en las q trata de expresar la condición
existencial del desgarro, la enajenación y la soledad del hombre contemporáneo, utiliza materiales orgánicos
paras sus obras.
NÚMERO 4
Ficha de la Obra:
ÉPOCA: Expresionismo Abstracto
ANTIGÜEDAD: 1950
AUTOR: Jackson Pollock
LUGAR ACTUAL: Carnegie Museum of Art, Pittsburgh
MATERIAL UTILIZADO: Óleo,
esmalte y pintura de aluminio sobre lienzo.
RAZÓN DE SU CREACIÓN: Demostrar
la utilización abstracta del color.
Análisis Biográfico:
Análisis Sociológico:
Jackson Pollock fue un influyente pintor
estadounidense y un referente en el expresionismo abstracto. Considerado uno de
los pintores más importantes del siglo XX.
En 1930, se mudó a la ciudad de Nueva York,
donde tuvo como maestro a Thomas Hart Benton en la Art Students
League durante tres años. En 1936, obtuvo un empleo en el Taller
Experimental de Union Square dirigido por el muralista mexicano David
Siqueiros, que resultó definitivo para la formulación de sus posteriores
pinturas por goteo pertenecientes al Expresionismo Abstracto.
Mientras estudiaba con Siqueiros, experimentó
con materiales poco ortodoxos, tales como pintura de interiores, y practicó
innovadoras técnicas de aplicación, que incluían aerosoles, salpicados y goteo.
Más tarde, en 1941, Pollock vio una demostración de la pintura indígena de
arena en el Museo de Historia Natural, la cual alentó su técnica gestual de
vertimiento.
Como puntos a tener en cuenta de su
trayectoria artística desde la visión plástica y física de la realización de la
obra es la creación novedosa del término mencionado antes llamado “Action
painting” , que consistía en posicionar el lienzo (siempre de grandes
dimensiones) a ras del suelo y utilizar los pinceles de forma rígida,
contundente y con movimientos rápidos, bruscos y autómatas. Busca el
desplazamiento del propio artista alrededor del lienzo para sincronizar ese
movimiento. Esto es la clave que representa el carácter marcado de su obra, que
está impregnada de movilidad y un caos con un cierto orden en sí mismo.
Análisis Iconográfico:
Cada uno de los gestos de la mano del artista
es evidente en la itrincada red de pintura.
Pollock creía que la “acción” de pintar
accedía a su mente subconsciente, y esta técnica se convirtió en parte de un
proceso automático llamado automatismo. Estaba interesado principalmente en
representar el dramático desenvolvimiento de su subconsciente sobre la
superficie de la pintura; este proceso era análogo a la ráfaga de notas creadas
por la improvisación de un músico de jazz o, actualmente, por el flujo de un
rapero de estilo libre.
En la cúspide de su fama, Pollock fue
considerado por muchos como el más grande pintor vivo, opinión que compartió la
revista Time en 1951. Pinturas legendarias comoNumber
4, Blue Poles: Number 11, 1952; Lavender Mist: Number 1, 1950; y Autumn Rhythm: Number 30, 1950, fueron todas creadas
durante este período de intensa creatividad.
Lo que Pollock plasmaba en la tela no era una
imagen, sino un hecho, una acción.
Análisis Formal:
La obra Numero 4 de Pollock, es una clara representación
de la expecion asbstracta , estilo del cual él es el precursor. Tiene una
composición simétrica con un equilibrio visual. Esorgánica porque carece de
formas geométricas al ser una obra pintada como el artista desea. el aspecto de
distribución de los elementos compositivos, tiene como punto de interés la
parte central del cuadro, la misma que es la más cargada de color. Esta obra
tiene una dominancia central, con una tendencia radial, es decir concentrado en
un punto medio.
Comentario:
La obra # 4 de Jackson Pollock es una obra
original ya q nos permite expresar de manera abstracta nuestros pensamientos y
liberarnos de esa manara.
Cita
Obra es algo innovadora por que el
pintor no necesita dibujar elementos
conocido par demostrar lo q siente.
AUTO RETRATO
DE FRIDA CON COLLAR
Ficha de la
Obra:
ÉPOCA: Expresionismo
ANTIGÜEDAD: 1933
AUTOR: Frida
Kahlo
LUGAR ACTUAL: Colección Colección de
Jacques y NatashaGelman
Ciudad de México, México
Jacques y NatashaGelman
Ciudad de México, México
MATERIAL UTILIZADO: Óleo sobre metal
DIMENSIONES: 34,5 x 29,5 cm.
RAZÓN DE SU CREACIÓN: Autorretratares y expresar confianza en sí misma
Análisis Biográfico:
Análisis Sociológico:
Magdalena
Carmen Frida Kahlo Calderón,
fue una destacada pintora mexicana.
Mientras aún estaba en Detroit, Frida lentamente
superó la infelicidad que siguió a su aborto y volvió a pintar de nuevo.
Análisis Iconográfico:
. En este autorretrato, así como en muchos otros, Frida
lleva una pieza de joyería pre-colombina. Este collar, parte de su numerosa
colección, está compuesto de cuentas de jade.
Argumento:
En el cuadro aparece fresca y atractiva y expresa una gran
confianza en si misma que no se ve en sus autorretratos anteriores. Por primera
vez Frida aparece en un autorretrato con la sombra de un bigote
Análisis Formal:
El auto retrato de Frida Kahlo, es una obra expresionista,
cuya composición es simétrica al tener el mismo peso visual. Es orgánica ya que
no posee figuras geométricas.
Tomando en cuenta la distribución de los
elementos compositivos en la obra, cabe recalcar que el punto de interés de la
obra es el rostro de frida, La dominancia de la obra es central; y posee una
tendencia vertical, ya que la posición de las Frida así lo define. Este cuadro
tiene forma singular.
Comentario:
El
autorretrato con collar de Frida Kahlo
es una pintura que demuestra la mejora
de Frida después de haber sufrido un engaño y un aborto, poniendo a vista su
gran confianza y mucha fortaleza.
BLU AND GREY
3
Ficha de la Obra:
ÉPOCA: Expresionismo -Abstracto
ANTIGÜEDAD:
AUTOR: Mark
Rothko
LUGAR ACTUAL: USA
MATERIAL UTILIZADO: Óleo sobre lienzo
DIMENSIONES: 372x450
cm.
RAZÓN DE SU CREACIÓN: No hay
razón para la obra ,la razón surge de la experiencia consumada entre el
cuadro y el observador
Análisis Biográfico:
Análisis Sociológico:
Mark Rothko (en letón, Marks Rotko), fue un pintor y grabador nacido en Letonia, que
vivió la mayor parte de su vida en los Estados Unidos. Ha sido asociado con el movimiento contemporáneo del expresionismo
abstracto, a pesar de que en varias ocasiones expresó
su rechazo a la categoría «alienante» de pintor
abstracto.
Análisis Iconográfico:
La
apreciación del arte es un autentico matrimonio entre dos mentes. Y en arte,
como en el matrimonio, la no consumación puede ser causa de anulación."
Con esta afirmación está verificando la teoría de que el entendimiento de una obra de arte se consuma en el dialogo entre la obra misma y el observador, y este dialogo ha de ser un dialogo continuado, no puede realizarse una investigación mínima y creer que con eso ya entenderás y apreciaras el arte.
Con esta afirmación está verificando la teoría de que el entendimiento de una obra de arte se consuma en el dialogo entre la obra misma y el observador, y este dialogo ha de ser un dialogo continuado, no puede realizarse una investigación mínima y creer que con eso ya entenderás y apreciaras el arte.
Argumento:
No se puede explicar mis cuadros. La explicación surge de la experiencia
consumada entre el cuadro y el observador.
Análisis Formal:
El BLU AND GREY 3 de Mark Rothko, es una obra expresionista-abstracta, cuya composición es
simétrica al tener el mismo peso visual. Es geométrica ya que posee figuras geométricas, bien
definidas q sor figuras rectangulares.
Tomando en cuenta la distribución de los
elementos compositivos en la obra, cabe recalcar que el punto de interés de la
obra es el centro, La dominancia de la obra es central; y posee una tendencia
vertical, ya que la posición de los rectángulos lo define. Este cuadro tiene
forma plural.
Comentario:
El BLU AND GREY 3 de Mark Rothko es una pintura abstracta y según el autor de la obra, la pintura no tiene
razón ni explicación, la razón y la explicación la ponemos nosotros los observador cuando realizamos un dialogo con la obra, está
opinión del autor me parece muy buena por q nos permite viven ciar y realizar
una unión con las obras y decidir q es lo q representa para mí.
faltan trabajos
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